120px-XXV+.jpg Helpwiki.jpg Gosuslugi.jpg Vystavka.jpg Использование интерактивной доски Panaboard LogoRobo2-120.jpg

ПскоВики переехала на новую площадку
Некоторые гиперссылки, созданные ранее, могут не работать, так как URL- адрес изменился на http://wiki1.pskovedu.ru

Исследование учащихся в проекте Периодизация эпохи Возрождения

Материал из ПскоВики — сайта педагогического сообщества Псковской области

Перейти к: навигация, поиск

Содержание

Работа группы "Искусствоведы"

Группа "Искусствоведы" приглашает к коллективной работе над статьей всех участников проекта. Присоединяйтесь!!!

Цели исследования

1. Узнать о закономерностях развития культуры эпохи Возрождения.

2. Проследить хронологию и развитие искусства Италии эпохи Возрождения.

3. Подготовить материал к вводному уроку по теме "Культура эпохи Возрождения".


Методы исследования

1. Аналитический

2. Сопоставительный

3. Сравнительный

Ход исследования

1. Изучение литературы и интернет-источников по теме

2. Систематизация материала, отбор нужной информации

3. Виртуальная экскурсия в музеи мира

4. Коллективная работа по обсуждению содержания Вики-статьи

5. Создание вики-статьи и презентации

6. Оценивание работы на основе требований, сформулированных в памятках

Итоги работы

Периодизация

Конец 13 - первая половина 14 века – проторенессанс («треченто»)

Вторая половина 14-15 века – раннее Возрождение («кватроченто»)

Конец 15-первые три десятилетия 16 веков – высокое Возрождение («чинквеченто»)

Вторая половина 16 века – позднее Возрождение (менее 4-х десятков лет).

Сущность Ренессанса - гуманизм. [1]

Эстетика Ренессанса. [2]

Философия Ренессанса. Пико Делла Мирандола

Искусство Возрождения в Италии

Особенности и яркие представители

Проторенессанс ( конец XIII-XIV вв.)

Черты нового, истинный перелом, особенно ярко проявились в творчестве Джотто ди Бондоне (1266/76 - 1337 гг.). [3] Лучшее творение Джотто - фрески в капелле дель Арена в Падуе, посвященные жизни Христа, Марии и ее родителей Иоакима и Анны. Джотто впервые совершенно иначе истолковывает события Священного писания. Он изображает жизнь реальных земных людей (фрески "Поцелуй Иуды", "Оплакивание Христа").

В 1334 г. на Джотто было возложено руководство строительством Флорентийского Собора Санта Мария дель Фьоре (завершен в XV в.). По его проекту построена знаменитая кампанила (колокольня) собора. Он же выполнил рельефы для стен. Джотто опередил свое время, и многое в его творчестве осталось недоступно современникам.

Сиенна - Симоне Мартини (около 1286 - 1344).

Канонические сюжеты у Симоне Мартини проникнуты светским духом и ощущением земной красоты. "Благовещение" - очень тонкое и изысканное цветовое решение. С.Мартини был другом и любимым художником Петрарки; поэт посвящал ему сонеты, заказал художнику портрет Лауры.

Раннее Возрождение (XV в., кватроченто)

Кватроченто - это радостный, мощный взлет итальянского искусства.

Обилие талантов, высокий уровень художественных произведений поражают. Искусство играло огромную роль в жизни этой эпохи.

В ее начале стоят три величайших художника Флоренции:

архитектор Филиппо Брунелески (1377 -1446) [4] ,скульптор Донателло (1386 - 1466) живописец Мазаччо (1401 - 1428) Брунелески: 1419 г. "Дом детского приюта" (Оспедале дельи Инноченти) - сооружение нового стиля. Новые архитектурные принципы, на основе античных, воплотил Брунелески: расчленение пространств на завершенные зоны, упорядоченность построения, использование ордерной системы, способность служить украшением окружающей среды. Славу Брунелески принесло создание грандиозного купола собора Санта Мария дель Фьоре.

Kupol.jpg

Диаметр купола 42 м. Брунелески применил новую конструкцию: он сделал купол их 2-х оболочек, скрепленных ребрами. (Константинопольский собор св. Софии - диаметр 30 м). Флорентийский купол знаменовал торжество человеческой воли, умения, смелости.

По сравнению со Средневековьем, иным стал внутренний вид соборов.

Новым явлением в архитектуре стал городской дворец - палаццо.*

Начало расцвета Возрождения в скульптуре связано с творчеством Донателло - (Донато ди Никколо би Бетто Барди), - (1386 - 1466). Он также, как и Брунелески новатор в своей сфере искусства. Он возродил типы произведений, не создававшихся со времен античности: отдельно стоящую круглую скульптуру, обнаженную фигуру, конный памятник, скульптурный портрет.

"Юный Давид". Образ Давида был одним из самых привлекательных для людей эпохи Возрождения: простой человек выдвинулся благодаря своей смелости и любви к народу.

"Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе" (предводителю наемных войск Эразмо ди Карми, по прозванию Гаттамелате). Образ сложен, противоречив. Художник раскрывает жестокость, изворотливый ум этого человека, но и передает чувство горечи и какой-то отрешенности.

Мазаччо (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди) - (1401 -1428).

В живописи Мазаччо принадлежит роль преобразователя, хоть он и прожил всего 27 лет.

Главное произведение Мазаччо - росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине, изображающие эпизоды из жизни св. Петра и два библейских сюжета "Грехопадение" и "Изгнание из рая". В этой фреске многое в живописи сделано впервые: анатомически правильно изображены обнаженные тела; с помощью светотени моделирован их объем; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы; Адам и Ева прекрасны, несмотря на грехопадение.

Мазаччо довел до конца завоевание живописью трехмерного пространства.

Необычайный расцвет искусства в ХV в. имел много причин. Римские папы, герцоги, банкиры, богатые горожане высоко ценили искусство, любили красоту, роскошь. Они оспаривали друг у друга честь приглашения лучших художников работать у себя.

Во Флоренции, где с 1434 года и до конца ХV в. установилось правление династии Медичи, соперничество за власть утихло и перешло в соперничество в роскоши, в обладание шедеврами искусства.

Искусство выполняло роль универсального познания, опередив в этом отношении науку и философию. И первым способом изучения было ясное, трезвое видение, постигающее природу вещей.

Изображать мир так, как человек его видит, как отражает его зеркало, было исходным принципом ренессансных художников, - принципом, который в то время, был настоящим переворотом, отказом от прежней художественной системы. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души - все это становится условием творчества и потребностью художников.

Новое искусство стало наукой и мастерством, которому можно научиться.

Свое стремление утверждать силу и красоту человека, любовь ко всему земному художники Возрождения воплощали в основном в произведениях на религиозные сюжеты. Это не было чистой условностью. Просто религиозность стала другой. Дистанция между божественным и земным сократилась, а в искусстве исчезла совсем.

Мирской характер с особой силой проявился в изображениях Богоматери.

Одним из важнейших завоеваний художников Возрождения стала свобода сочинительства.

Пьеро делла Франческа (1416 - 1492). Это был ученый художник. Работал по теории Альберти и математически вымерял перспективу. Он сам создал трактаты - "О живописи" и "О правильных телах". Фрески и картины Пьеро делла Франческа обладают удивительным воздействием. В них царит закономерность и уравновешенность, торжественный ритм и монументальные формы, а его образы полны достоинства, благородства и возвышенного спокойствия.

Еще одна особенность работ художника - сдержанный, изысканный колорит чистых тонов, пропитанных воздухом и светом.

Сандро Боттичелли (Алессандро ди Мариано Филипепи) - (1444 -1510). "Рождение Венеры" около 1485. Флоренция. Уффици. Одна из самых знаменитых картин Возрождения.

Палаццо (дворцы) эпохи Возрождения украшались фресками* (роспись по сырой штукатурке) на различные мифологические сюжеты. Эта картина была написана на холсте - материале, который до появления масляных красок считали подходящим для временных экранов.

Боттичелли был любимым художником Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Картина "Весна" написана в 1477-1478 г.

На этой картине возле центральной фигуры Флоры стоят три грации, какими их представлял Боттичелли. Эти же образы появляются в "Триумфе Венеры" (1470) Франческо дель Косса.

Портрет в эпоху Возрождения был излюбленным жанром. Он воплощал высокие представления эпохи о человеческой личности. Портрет не был новым жанром, как появившиеся позднее пейзаж, натюрморт, бытовой жанр. Первые портреты были профильные. Они вели свое происхождение от изображений донаторов (заказчиков, дарителей). Донаторы всегда обращены лицом к Богу, следовательно боком к зрителю.

Модели ренессансных профильных портретов представлены в скованных позах, с застывшими лицами.

Вскоре появился другой тип портрета - лицо в фас или в трех четвертном повороте, позы более свободные, выражения лиц более оживленные. Главными в изображении были не внутренний мир изображаемого, не душевное состояние, а типичные качества человека Возрождения - уверенность в себе, чувство собственного достоинства, самоутверждение, цельность и значительность.

Во многих портретах кватроченто* человек изображен на фоне пейзажа, а точнее - на фоне мира. Мир открывающийся бесконечен и прекрасен.

Высокое Возрождение (1490-е до 1530 гг., чинквеченто)

Его конец связан с 2 событиями:

Разгромом и разграблением Рима в 1527 г. войсками Карла V Габсбурга, императора Германии и короля Испании.

Падением последней флорентийской республики в 1530 г. (Правда, творчество Микеланджело продолжалось до 1564 г.), а в Венеции до конца ХVI в. творили великие мастера:

Тициан (1477 или 1485/90 - 1576) Веронезе (1528 - 1588) Тинторетто (1519 -1594) В ХIV и ХV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, в ХVI в. - переживала глубокий кризис политический и экономический, Италия потеряла рынки на Востоке, постоянные междоусобицы. Италия - арена постоянных войн. Она опустошена и разорена.

После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии.

Но прежде чем свершились эти трагические события, Италия пережила период общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению страны. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в и Италии - Высокий Ренессанс.

Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира, пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения. Н.А.Дмитриева пишет: "Кватроченто - это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто - синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса".

В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек!

Среди художников чинквеченто* (XVI век) Средней и Северной Италии отчетливо возвышаются три вершины:

Start PAA2.gif

Леонардо да Винчи - (1452-1519) | Биография

Видеофрагмент

Рафаэль (Рафаэло Санти) - (1483-1520) | Из биографии

Видеофрагмент

Микеланджело Буонаротти - (1475-1564) | Жизнь и творчество

Видеофрагмент

Леонардо да Винчи - самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был "Homo universale" (человек универсальный): умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив.

В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, рисовальщиком, музыкантом, архитектором, сочинял басни, сонеты, написал "Книгу о живописи".

Картин его дошло около 15. Он оставил рисунки машин и механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета, вертолета...

В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: "Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа), 1478 и "Мадонна с младенцем" (Мадонна Литта), 1470-1490.

В "Мадонне с цветком" Леонардо уходит от статичности, застылости кватрочентовских композиций. Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес к психологическим решениям и пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению.

Художники ХV века овладели перспективой.

Леонардо овладел пространством.

Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не "наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух.

Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское "сфумато".

"Поклонение волхвов" - не закончена.

"Мадонна в гроте" - здесь Микеланджело ввел пирамидальное построение, ставшее классическим.

Фреска "Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюзорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера. Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов.

Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, (сам процесс!) драматического события.

Христос сказал апостолам: "Один из вас предаст меня". Иуду обычно выделяли на противоположной стороне (А.Кастаньо, Гирландайо). Леонардо помещает Иуду рядом с любимыми учениками, выделяя лишь падающей тенью на лицо. Самое знаменитое произведение художника и, пожалуй, во всей мировой живописи - "Портрет Моны Лизы", супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо.

К, сожалению, никакое воспроизведение не может передать всего богатства сложных и тонких нюансов оригинала. С "Джокондой" связаны различные легенды, ее похищали, подделывали, "разоблачали".

Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил: "Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и представление его души". С "Джокондой" связано зарождение психологического портрета.

Рафаэль - (1483 -1520) - гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство синтез достижений предшествующих художников.

У Рафаэля человек совершенен, мир в гармонии.

Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь художник наиболее полно раскрывает свои представления о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты.

"Мадонна Конестабиле", "Мадонна в зелени", "Мадонна дель Грандука", "Мадонна с щегленком", "Мадонна садовница", "Мадонна Альба", "Мадонна в кресле", "Сикстинская Мадонна" (1513 -1514), возвращена в 1956 г. - одно из любимых произведений мировой живописи.

Святые Сикст и Варвара в благоговении склоняются перед Богоматерью, идущую в облаках. Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав может быть самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей.

37 лет прожил Рафаэль. Ему была поручена огромная работа - роспись 4-х станц (комнат) в Ватикане (папский дворец).

Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей Леонардо да Винчи и Сикстинским потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.

Главные фрески станцы - "Диспуты" - (апофеоз теологии), "Афинская школа" - (апофеоз философии) и "Парнас" - (апофеоз искусства) и "Мудрость, Мера и Сила" - (олицетворение главных добродетелей правосудия).

Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии.

В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.

Микеланджело Буонарроти (1475 -1564). Превыше всех искусств он ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером.

Прожил долгую (89 лет) и трагическую жизнь. Он боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был "способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть.

Таков его Давид.

Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело: "...отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских".

В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы, 40 лет жизни Микеланджело отдал ей, выполнив три статуи.

Роспись потолка Сикстинской капеллы также возложил Юлий II на Микеланджело. На потолке капеллы Микеланджело создал мир титанов.

Фреска "Страшный суд" (1508 - 1512) в Ватикане - роспись потолка и алтарной стены Сикстинской капеллы. Роспись потолка свыше 500 кв.м и включает 343 фигуры. Без помощников работал 4 года, лежа на лесах. Площадь "Страшного суда 13,7 х 12,2 м.

Художник, который не считал себя живописцем и вначале упорно отказывался от этой работы, создал в результате беспримерное творение. В эпоху Возрождения плафонная живопись носила преимущественно декоративный характер, Микеланджело же изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог - вдохновенный творец, создающий Вселенную и человека.

Его люди могучи и прекрасны телом и духом; пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, обнаженные юноши раскрывают в многообразных проявлениях красоту и пластику человеческого тела.

Этот жизнеутверждающий пафос сменяется трагической безысходностью, когда Микеланджело работает над фреской "Страшный суд". Многое изменилось в мире, в судьбе родины - изменилось и мироощущение художника. Суд, изображенный на фреске, действительно страшен: праведники, обступившие Христа, гневны, они требуют возмездия, и Христос властным жестом руки низвергает грешников в ад. В этом сюжете можно видеть крушение ренессансной гордыни - и шире - образ всечеловеческой катастрофы.

Последние скульптуры Микеланджело - три "Пьетты" - (Пьетта - оплакивание) - несут образ сломленного страдания человека; от них веет бесконечной усталостью и глубокой скорбью. Им созвучны строки его сонета:

"Надежды нет, и все объемлет мрак, И ложь царит, а правда прячет око". Капелла Медичи была построена в 1520 - 1525 гг. по проекту Микеланджело как усыпальница членов семьи Медичи. Вместо задуманных четырех надгробий было исполнено два - Лоренцо ("Утро" и "Вечер") и Джулиано ("День" и "Ночь") Медичи. Фигуры, традиционно символизирующие быстротечность времени, Микеланджело наполнил переживаниями, рожденными трагической судьбой своей родины, крушением своих идеалов.

В одном искусстве Микеланджело остался верен заветам своих героических лет в архитектуре: во Флоренции он создал капеллу Медичи и интерьер библиотеки Лауренциана (первая публичная библиотека в Европе), в Риме разработал проект перестройки Капитолия и увенчал грандиозным куполом собор св. Петра, главную святыню христианского мира.

Собор св. Петра строили около 150 лет (первоначальный проект был создан арх. Д. Браманте). Над собором Микеланджело работал до конца жизни.

Собор святого Петра - венец архитектурного гения Микеланджело, где мастер развил идею центричности, автором которой был Д.Браманте. И все же главное творение Микеланджело - зодчего - грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. Внутри он кажется легким и пронизанным светом, покоряюще прекрасным. Купол собора св. Петра Микеланджело царит над всем вечным городом, над бесчисленными архитектурными памятниками, которыми так богат Рим.

Б.Соловьева, анализируя эпоху и творчество Микеланджело, пишет: "В архитектуре эпохи Возрождения много прекрасных творений, однако, этот вид искусства перестал быть ведущим, перестал быть основой синтеза искусств. Архитектура сама начинает подчиняться и даже подражать изобразительным искусствам - живописи, скульптуре, и эти тенденции к концу эпохи нарастали. Стала преобладать забота о красоте фасада; конструктивные элементы использовались в декоративных целях. Нередко случалось, что в интерьерах архитектурные формы - абсиды, купол, карнизы, пилястры,* арки* - изображали на стенах потолке красками.

И все-таки именно в живописи был наиболее очевиден закат большой культурной эпохи. У поколения художников, которое сложилось в период захвата Рима, падения флорентийской республики, крушения надежд на объединение страны, феодально-католической реакции, контреформации и инквизиции, вера в силу, разум человека, возможность гармонического развития личности была утрачена или сильно подорвана. Они восхищались и чтили Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и считали, что следуют их заветам, но внутренняя опустошенность, отсутствие собственного вдохновляющего идеала рождали только манерное подражание отдельным внешним приемам. Это направление и получило название маньеризм.* Сознание неудовлетворенности, бессилия перед неразрешимыми противоречиями приводило к стремлению отгородиться от жизни. Художники-маньеристы, которые работали, главным образом, при дворах герцогов и королей, следовали в своем творчестве придворно-аристократическим вкусам. Они вдохновлялись не реальным миром человеческих чувств, а стремлением к причудливым формальным эффектам. Их картинам присущи вычурность и манерность, жеманное изящество, стремление поразить необычайной трактовкой сюжета, тесное расположение фигур, их деформации, удлинение, "змеевидные" движения и повороты. Типичным произведением маньеризма является "Мадонна с длинной шеей" Пармиджамино".

Возрождение в Венеции [5]

В Венеции Возрождение началось позднее, было дольше, своеобразнее. Венецию называли "царицей Адриатики", "владычицей морей". Она была торгово-олигархической республикой. К ней стекались огромные богатства.

Венеция поражала великолепием, пышностью, праздничностью, красотой.

Два главных творения Венеции - Собор Сан Марко и дворец дожей.

Крупнейшие художники Венецианского Возрождения:

Джованни Беллини (1430 -1516), "Мадонна со святыми".

Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) - (1477/78 - 1510)

"Спящая Венера" (1508 -1510), Дрезден.

Джорджоне для Венеции был как Леонардо да Винчи для Средней Италии. Художник впервые пишет картины на светские темы, и впервые сделал равноправными человека и пейзаж.

"Спящую Венеру" Джорджоне сравнивали с "Рождением Венеры" Боттичелли, "Джокондой" Леонардо да Винчи, "Сикстинской Мадонной" Рафаэля.

Целомудренный и прекрасный образ спящей Венеры - одно из первых поэтичных изображений обнаженного тела в мировом искусстве.

"Юдифь". Эрмитаж. Независимо от сюжета Джорджоне создает в своих картинах идеал чистой и прекрасной женщины.

Картины Джорджоне удивительно поэтичны и музыкальны, от них веет задумчивой мечтательностью, безмятежной умиротворенностью и некоторой меланхолией.

Тициан (Тициан Вечелио) - (1477 или 1485/90 - 1576) - знаменует собой полный расцвет, зенит венецианского Ренессанса.

Идеалы Тициана земные, полнокровные, жизнерадостные, величавые, торжествующие. Он вдохновенно воспевал радостную красоту женщины в своих "Венерах", "Данаях". Им создана галерея портретных образов - императоры, короли, папы, прекрасные женщины, гуманисты, воины.

В картинах, созданных Тицианом в последние годы его жизни, звучит уже подлинный трагизм - "Святой Себастьян", Эрмитаж.

Самым ярким певцом праздничной, нарядной и богатой Венеции был Паоло Веронезе (Паоло Кальяри) - (1528 - 1588).

Последним великим живописцем этой эпохи был Тинторетто (Якопо Робусти ) - (1519 - 1594).

Искусство Испании.

Испанское искусство ХVI века было принципиально новым по отношению к средневековой культуре, оно весьма отличалось от ренессансного. Вся средневековая история Испании проходила под знаком Реконсисты - обратного отвоевания Пиренейского полуострова у арабов. Борьба против мусульман, определила и большую роль католической церкви в жизни Испании, ее культуре и искусстве. Нарождающаяся буржуазия в абсолютистской Испании была слаба. Идеи гуманизма и научная мысль подвергались гонению. Поэтому религиозный характер культуры, с чертами мистической экзальтации и преувеличенной экспрессии, сохранялся дольше, чем в других странах. Однако испанские художники не остались в стороне от достижений ренессансной культуры.

Наиболее значительное архитектурное творение королевский дворец Эскориал (архитектор Хуан де Эррера) - (1530-1579), для Филиппа II, около Мадрида.

Самый выдающийся художник - Эль Греко (Доменико Теокопули) - (1541 - 1614). "Благовещение", "Погребение графа Оргаса". Творчество Эль Греко стоит особняком в испанском искусстве - оно настолько индивидуально, что не могло иметь последователей. Художник создал свою собственную, смелую и необычную художественную систему. Основа его образов - духовное горение, отрешенность от земного и благоговейная устремленность ввысь. В его картинах никогда нет ясно построенного пространства; вытянутые, причудливо деформированные фигуры, неожиданные ракурсы и повороты, взволнованные движения, выразительные жесты и мимика, одухотворенность лиц - вот основные особенности своеобразного художественного языка Эль Греко.

Северное Возрождение

Северное Возрождение - это художественная культура ХV - ХVI вв. европейских стран, севернее Италии, Нидерландов, Германии и Франции.

Термин "Возрождение" здесь достаточно условен, так как формирование культуры опиралось не на античное наследие (его не было в этих странах), а на идеалы религиозного обновления.

В Северной Европе центром художественного творчества становится человек с новым сознанием окружающего мира и себя. Гуманистическое начало составляет главнейшую особенность искусства Северного Возрождения.

В северных странах гуманизм был устремлен к воскрешению демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. И, если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему.

В искусстве северных стран преобладает правдивое, непосредственное изображение того, что есть, даже если оно уродливо, в противовес стремлениям итальянских художников к идеализации, к поискам во всем прекрасного, величавого, возвышенного.

Нидерланды

Нидерландами в ХV в. называли земли у берегов Северного моря, где сейчас находятся Голландия и Бельгия. Нидерландские города были богатыми и прекрасными, вели обширную торговлю.

Становление нового искусства в Нидерландах связано с творчеством Яна ван Эйка (1390 -1441). Главное создание Яна ван Эйка - грандиозный Гентский алтарь - полиптих (т.е. сложенный много раз).

Гентский алтарь (1422-1432) - программное произведение нидерландского Возрождения, в котором выражено представление о человеческой Вселенной.

Ян ван Эйк был и выдающимся портретистом. Картина "Портрет четы Арнольфини" (1434). Джованни Арнольфини - богатый итальянский купец, жил в Брюгге в качестве представителя дома Медичи. Находящиеся в комнате предметы полны традиционного аллегорического смысла: собачка и пара туфель - символы верности и единства супружеской пары, апельсины на ларе у окна - знак райского блаженства, янтарные четки на стене - символ благочестия, щетка - знак чистоты. В зеркале видны фигуры двух человек, один из которых - Ян ван Эйк, о чем гласит надпись на стене.

Художник впервые создает двойной портрет, впервые изображает свои модели в рост, впервые раздвигает рамки самого портретного жанра. Изображение супругов в уютной комнате стоит на грани портретного и бытового жанров, но при этом все в нем проникнуто такой одухотворенностью, таинственной и поэтичной, что сцена получает не бытовой, а возвышенный смысл, символизируя святость супружеского обета и домашнего очага.

Яну ван Эйку (или братьям ван Эйкам) традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Но это не точно, потому что способ применения растительных масел был известен и раньше, но Ян ван Эйк усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин.

Сложный узор на полу и одеждах играющих, а также блеск позолоченных труб органа создают ощущение объемности. Если внимательно присмотреться к картине, станет ясно, что точки, в которых сходятся линии пола и органа, не совпадают.

Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

Особой прелестью в нидерландском искусстве обладают произведения, проникнутые кротким, созерцательным настроением. В отличие от итальянских художников с их ощущением красоты, силы и всемогущества человеческой личности, нидерландцы приемлют и поэтизируют "среднего человека", не обязательно красивого, но всегда благочестивого и исполненного достоинства в своем смирении. В евангельских сюжетах преломлялась и одухотворялась мирская добропорядочная жизнь. Все это ясно ощущается при взгляде на картину Робера Кампена "Мадонна с младенцем у камина" (около 1433 г., Гос. Эрмитаж).

Хуго ван дер Гус - (около 1435-1482). Алтарь Портинари. (1476 -1478). Флоренция. Уффици.

Рогир ван дер Вейден - (около 1399 -1464). Распятие с донаторами. Триптих. Вена.

Иохим Патинир около 1480 -1524. Крещение Христа. 1515. Вена.

Особое место в художественной культуре Нидерландов и Возрождения в целом принадлежит двум мастера - Босху и Брейгелю.

В творчестве Иеронимуса Босха (ван Акен) - (около 1450 -1516) мир предстает как царство дьявола и греха.

Для нас, современников, творчество Босха бесконечно сложно и во многом загадочно. А современникам Босха, видимо, аллегорический смысл образов был понятен, ибо его произведения пользовались широчайшей популярностью. Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира.

Свои картины на темы ада, рая, Страшного суда, искушения святых художник населял легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части различных животных, растений, предметов, а иногда и человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, с птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования.

Творчество Босха, подвластное его глубоко пессимистическому мировоззрению, обнажало наиболее страшные, трагические стороны человеческого существования. Но, как бы наперекор стремлениям художника, его произведения обладают и жизнеутверждающей силой, имеющие свои истоки в народной фантазии, устрашая - смешат, а юмор всегда несет элемент здоровья. Изумительный колорит, живописное мастерство придают картинам Босха, несмотря на их содержание, немеркнущую красоту.

Питер Брейгель старший (Мужицкий) - (1525/30 - 1569) - последний художник нидерландского Возрождения. Такой широты в изображении жизни народа, такой бесстрашной трезвости в подходе к ней искусство еще не знало.

Он находился под влиянием как народной культуры, так и Босха. В центре его внимания - жизнь народа в не показном, а деятельном и повседневном обличии.

Брейгель жил в тяжелое для его родины время. Маленькая, но богатая страна находилась под властью Габсбургов, которые ее жестоко грабили. В Нидерландах, как дома, распоряжалась свирепая испанская инквизиция. Когда правил герцог Альба, установился режим кровавого террора.

Источник силы и надежды художник видел в природе и трудовой жизни человека.

Картина "Слепые" - самая трагическая картина Брейгеля. Ее сюжет восходит к строкам Евангелия: "Может ли слепой водить слепого, не оба ли они упадут в яму?". Шестеро слепых, держась друг за друга, бредут по дороге на фоне прекрасной природы. Первый уже падает навзничь в ручей, увлекая за собой второго; теряют равновесие и остальные. Картина словно задает тревожные вопросы: куда идут люди? Не подобны ли они слепцам, движущимся навстречу своей гибели".

Германия

Возникновение культуры Возрождения запоздало в Германии, это была раздробленная, типичная средневековая страна.

Поворот наметился в 30-е гг. ХV в.

Южно-немецкие мастера:

Конрад Витц - (около 1400-1446)

"Хождение по водам". Женева.

Реформация в Германии и Великая крестьянская война вызвали в стране культурный подъем - возникновение гуманизма, развитие наук, обновление литературы и искусства.

Скульптор Тильман Рименшнейдер - (около 1460-1531) - "Тайная вечеря" - соединил в себе служение искусству с любовью и служением угнетенному человеку. Многие церкви Германии украшают его резные алтари, статуи и надгробия. Для него характерны обостренная готическая экспрессия, однако стремление к выражению внутренних переживаний человека приобщают Рименшнейдера к искусству Ренессанса.

Одно из величайших произведений немецкой религиозной живописи - алтарные картины церкви в Изенгейме, созданные Грюневальдом.

Грюневальд (Матис Готхард Нейтхарт) - (около 1470/75 - 1528)

Распятие. Алтарь огромен - 8 м в высоту. Грюневальд был, по определению О. Бенеша, выразителем "религиозного экстремизма" в искусстве.

Алтарь был создан для церкви монастыря ордена Св.Антония, расположенного в Изенгейме, около города Кольмара в Эльзасе. На створках по сторонам "Распятия" изображены Св.Антоний и Св.Себастьян. Центральную часть занимает "Праславление Богоматери", пронизанное ликующим, восторженным настроением; на боковых створках изображены "Благовещение" и "Воскресение Христа".

Первым, истинно ренессансным художником и единственной универсальной личностью, подобной итальянским титанам Возрождения, был в Германии Альбрехт Дюрер (1471 -1528).

Альбрехт Дюрер был великим гравером, живописцем и рисовальщиком, он занимался архитектурой, разработал теорию фортификации, интересовался математикой, механикой, астрономией, естествознанием, создавал астрономические и географические карты, писал стихи и трактаты:

"Некоторые наставления к укреплению городов, замков и местностей" (1527) и "Четыре книги о пропорциях человеческого тела" (1528).

Дюрер жил в Нюрнберге. Здесь был большой кружок гуманистов.

Дюрер создал много великолепных живописных произведений - картин на религиозные темы и портретов, но главным его призванием была графика. Эразм Роттердамский писал: "Я восхваляю великое мастерство Альбрехта Дюрера - гравера, позволявшее ему без помощи красок, одними лишь черными штрихами, передать все доступное человеческому зрению и чувству".

Среди портретного наследия Дюрера привлекают большое число автопортретов, что необычно для искусства Возрождения - три живописных и пять рисуночных.

В мюнхенском "Автопортрете" (1500) Дюрер пишет лицо по закону идеальных пропорций и совмещает облик Христа и свой. В этом можно видеть воплощение характерного для того времени стремления человека к непосредственному единению с Богом и в то же время - высокое понимание Миссии Художника.

К числу крупнейших художников Германии первой половины ХVI в. принадлежит Лукас Кранах Старший (1472 - 1553).

"Женский портрет". (1526). Эрмитаж.

Творчество Кранаха, долгое и плодотворное, отразило другою сторону немецкой культуры - светскую.

Лукас Кранах был придворным художником курфюрста Фридриха Саксонского. Он создавал алтарные композиции, картины на религиозные и мифологические сюжеты, портреты.

Последним великим мастером немецкого искусства ХVI в. был Ганс Гольбейн Младший - (1465 -1524). Он выделялся классичностью своих работ, почти не писал картины на религиозные темы, главной темой его творчества были - портреты.

Гольбейн был также великолепным гравером.

Серия маленьких гравюр на дереве "Пляска смерти".

Затем Гольбейн уехал в Англию и работал при дворе Генриха VIII. Создал большое число портретов короля, его жен, английских гуманистов, ученых, теологов, аристократов и т.п.

Работы Гольбейна отличает отточенное мастерство и высокая степень объективности. В Англии искусство Гольбейна имело огромное влияние.

Период же немецкого Возрождения был коротким - его составляет творчество художников одного поколения. Победа феодальной реакции, утверждение протестантизма, неблагоприятного для искусства, надолго остановили культурное развитие Германии.

Франция

Французский Ренессанс не дал таких гениев, как Мазаччо и Ян ван Эйк, Леонардо да Винчи и Дюрер, Микеланджело и Брейгель, Тициан и Гольбейн.

Период Возрождения во Франции выглядит скромно, по сравнению с предшествующей эпохой готики, когда Франция оказывала влияние на страны Северной Европы, и с последующим ХVII в. - веком классицизма, вернувшим Франции главенствующую роль.

Движение Реформации во Франции потерпело поражение, она осталась католической страной. Здесь была сильна королевская власть, к началу ХVI века Франция стала абсолютной монархией.

Короли, стремясь увеличить блеск и славу двора, окружали себя художниками и выдвигали свои требования. Искусство приобретало придворный характер, чего нельзя сказать о всей ренессансной культуре Франции - о творчестве Вийона, Рабле, Ронсара, Монтеня.

Живопись и скульптура отличаются изяществом и спокойствием, драматизм в них не проникает, хотя бурных, жестоких событий было достаточно: Столетняя война, война с Габсбургами, ожесточенные войны католиков с гугенотами, кровавая Варфоломеевская ночь.

Ренессансный характер французское искусство начинает приобретать во второй половине ХV в., в миниатюрной живописи.

Знаменитый "Роскошный часослов герцога Беррийского", исполненный братьями Лимбург (1411-1416).

Жан Фуке - (около 1420 - около 1480) - крупнейший мастер раннего периода французского Возрождения. Придворный живописец Карла VII и Людовика IХ, прославился своими портретами и миниатюрами.

"Часослов Этьена Шевалье",

"Иудейские древности",

"Жизнь знаменитых мужчин и женщин" (Боккаччо).

С начала ХVI в. гуманистические идеи получают во Франции все большее распространение, развитие гуманизма во Франции происходило под сильным влиянием культуры и искусства Италии. Этому способствовали и военные походы Франциска I в эту страну и то, что три последние года жизни прожил во Франции Леонардо да Винчи.

Архитектура. Замки Луары

Долина Луары - это "сердце" Франции. Замки, построенные здесь в конце ХV в. - начале ХVI в. принесли этой долине славу колыбели французского Возрождения. В Амбуазе (город на Луаре), находилась резиденция короля Карла VIII, где возводился, но закончен не был, огромный дворец с парками и садами.

В 1515 году на французском престоле Франциск I, который перестраивал другой замок - в Блуа. Впервые французский замок смотрел на город не толстыми стенами и крепостными башнями, а лоджиями, что подчеркивало новый ренессансный характер архитектуры.

В замке Шенонсо (1512 -1523) сочетались красота природы и человеческой фантазии. Он был сооружен на искусственном островке, на реке Шер.

В Шамборе (1519 -1559) - в самом грандиозном по замыслу замке, были воплощены некоторые идеи Леонардо да Винчи, который приехал во Францию в 1516 г. и прожил здесь до 1519 г. Великолепный Шамбор стал вершиной и образцом оригинального стиля, воплощенного в замках Луары.

В 30-х гг. ХVI в. король-меценат Франциск I решил расстаться с долиной Луары и перенести место пребывания двора в Париж - историческую столицу Франции и занялся перестройкой Лувра.

Фрагменты строительства. 1546. Париж.

В середине фасад решен в виде триумфальной арки и оформлен рельефами скульптора Гужона, который, очевидно, принимал участие в разработке и осуществлении всего архитектурного замысла.

Жан Гужон - (около 1510 - 1568) - наиболее значительный скульптор французского Возрождения.

"Фонтан нимф" или "Фонтан невинных" - самое известное и совершенное создание скульптора.

Станковая живопись во французском искусстве занимает не столь значительное место, только портрет. Среди живописцев самым выдающимся был Франсуа Клуэ, придворный художник при 4-х королях.

"Портрет Карла IХ".

Театр эпохи Возрождения. [6]

Литература Возрождения. Шекспир

200px-Shakespeare.jpg

Биография У. Шекспира

Петрарка.

Музыка эпохи Возрождения

Выводы

1.Возрождение было замечательной эпохой в развитии мировой культуры. В течение около трех столетий созданы величайшие художественные ценности, поражающие широтой содержания и глубиной мысли, полнотой чувства и совершенством исполнения.

2.Художественные произведния эпохи пережили свое время, и пройдя через века, сохранили силу своего воздействия на зрителя.

3.Мышление человека освободилось от оков старой условности и обогатилось новыми гуманистическими идеями. Эти общечеловеческие в своей сущности идеи дали толчок к развитию своеобразных национальных культур, а разработанные ренессансными мастерами различные стили и методы определили дальнейшее развитие всей художественной культуры Нового времени.

Эпохе Возрождения мы отдаем всю меру восторга и удивления.

Информационные источники:

А. Ф. Лосев. Западное Возрождение. Основные принципы. //А. Ф. Лосев. Эстетика Возрождения. М., 1978

А. Я. Гуревич. "Картина мира" средневекового человека // А. Я. Гуревич. Категории средневековой культуры. М., 1984

В. Гращенков "Сандро Боттичелли" М., Государственное издательство изобразительного искусства, 1960 г.

Западная Европа в 10 - XI вв. Общие процессы и региональные особенности социально-политического развития // Средневековая Европа глазами современников и историков. Ч. 2. М., 1995

И. М. Дьяконов. Введение // И. М. Дьяконов. Пути истории. М., 1982

Из истории культуры Средних веков и Возрождения. Издательство "Наука", М 1976 г.

История искусства зарубежных стран. Том 2. Издательство "Академия художников СССР", М 1963 г.

Культурология. История мировой культуры. Под редакцией профессора А. Н. Марковой. Москва, "Культура и спорт". Издат. Объединение "ЮНИТИ", 1995 г.

Лев Любимов. Искусство Западной Европы. Москва "Просвещение", 1996.

Переход от античности к средневековью //Средневековая Европа глазами современников и историков. Ч. 1. М., 1995.

Последние века Римской империи //Средневековая Европа глазами современников и историков. Ч. 1 М., 1995.

С. Д. Сказкин. Возрождение, гуманизм и реформация //С. Д. Сказкин. Из истории социально-политической и духовной жизни Западной Европы в Средние века. М., 1981.

С. М. Стам. Гуманизм и церковно-реформационная идеология //Культура эпохи Возрождения и Реформация. М., 1981

С. М. Стам. Корифеи Возрождения. Саратов, 1991


Электронный учебник по культурологии

Личные инструменты
Site Statistics